1. Kunst CenterMusicMusic Theorie: Zählen mit einfacher Zeit Signatures

Von Michael Pilhofer

Einfache Taktarten sind am einfachsten zu zählen, da sich ein Doppelsignal in einem Musikstück für einen Zuhörer und einen Interpreten am natürlichsten anfühlt. Die folgenden vier Anforderungen geben an, dass eine Taktart eine einfache ist:

  • Jeder Schlag ist in zwei gleiche Komponenten unterteilt. Wenn ein einzelner Schlag mehr als eine Note enthält, werden diese Noten immer zu einem Schlag zusammengefasst. Dieses Merkmal ist am deutlichsten, wenn es auf Achtelnoten und kleinere Noten angewendet wird. In einfacher Zeit sind immer zwei Achtelnoten mit einem Balken verbunden, der als Balken bezeichnet wird, ebenso wie vier Sechzehntelnoten oder achtunddreißigstelnoten. (Wenn Sie zwei Sechzehntelnoten und eine Achtelnote haben, werden diese drei Noten, die einem Schlag entsprechen, ebenfalls zusammen übertragen.) Die folgende Abbildung zeigt den Verlauf des Zusammenübertragens von Noten in einfacher Zeit. Die Note, die einen Schlag bekommt, muss eine ungepunktete Note sein. Wenn Sie ein Lied in Ihrem Kopf zählen, zählen Sie nur ungepunktete Noten, die durch zwei teilbar sind. Normalerweise bedeutet dies, dass Sie Viertelnoten zählen, aber Sie können auch halbe Noten, ganze Noten oder manchmal Achtelnoten zählen.

Im 4/4-Takt, zum Beispiel, werden Sie in Ihrem Kopf immer wieder "Eins-zwei-drei-vier" zählen. In 3/4 der Zeit wird es sein, „one-two-three“ immer und immer wieder; in 2/4 der Zeit, „one-two.“

  • Die höchste Zahl ist nicht durch 3 teilbar, es sei denn, 3/4 und 3/8 werden als einfache Zeitsignaturen betrachtet, wohingegen 6/4, 6/8 und 9/16 nicht (weil sie teilbar sind) von 3, das sind Verbindungen Taktartbezeichnungen). Die Anzahl der Schläge ist das gleiche in jedem Takt. Jeder Takt oder Takt einer Musik in einer einfachen Taktart hat die gleiche Anzahl von Beats im gesamten Song. Nachdem Sie die Zeit gezählt haben, müssen Sie sich um nichts mehr kümmern, als sicherzustellen, dass die Noten des Songs den ganzen Weg durchschlagen.
Einfache Taktartbezeichnungen

In den folgenden Abschnitten wird erläutert, wie Sie mithilfe von Messwerten in einfacher Zeit zählen können, und es wird eine gewisse Zählpraxis vermittelt.

Mit Maßnahmen in einfacher Zeit rechnen

Mit Takten (oder Takten) können Interpreten verfolgen, wo sie sich in einem Musikstück befinden, und den entsprechenden Beat spielen. In einfacher Zeit ist das Maß, wo der wahre Rhythmus eines Musikstückes zu spüren sein kann, auch wenn Sie nur ein Stück Noten zu lesen, ohne sie zu spielen.

In einfacher Zeit wird eine etwas stärkere Betonung auf dem ersten Schlag jeden Takt gesetzt.

Hier sind einige allgemeine Beispiele für einfache Zeitsignaturen (von denen einige in den folgenden Abschnitten beschrieben werden):

  • 4/4: Verwendete in Pop, Klassik, Rock, Jazz, Country, Bluegrass, Hip-Hop und House-Musik 3/4: Verwendet für Walzer und Country- und Western-Balladen 2/4: Wird in Polkas und Märschen verwendet 3/8: Verwendet in Walzern, Menuette und Country- und Western-Balladen 2/2: In Märschen und langsamen Prozessionen

Zählen 4/4

Wenn Sie eine Zeile der Musik zu sehen, die eine 4/4 Taktart wie die in der folgenden Abbildung hat, wird der Beat wie dies abgezählt:

Eins zwei drei vier Eins zwei drei vier Eins zwei drei vier

4/4 Zeit

Die untere Zahl 4 in der Taktart in der Abbildung gibt an, dass die Viertelnote den Takt erhält, und die obere Zahl 4 gibt an, dass jeder Takt vier Takte oder vier Viertelnoten enthält.

Da die 4/4-Zeit in populären Musikrichtungen so häufig verwendet wird, wird sie häufig als gewöhnliche Zeit bezeichnet. In der Tat, statt „4/4“ für die Taktart zu schreiben, manche Komponisten schreiben Sie einfach eine große „C“ statt.

3/4 mal zählen

Wenn die Taktart einer Musikzeile wie in der folgenden Abbildung 3/4 ist, wird der Beat folgendermaßen gezählt:

Eins zwei drei Eins zwei drei Eins zwei drei

3/4 Zeit

3/8 mal zählen

Wenn die Taktart 3/8 ist, wird die erste Note des Taktes - wie auch immer - leicht belastet. In dieser Figur ist diese erste Note eine Achtelnote.

3/8 Zeit

Sie zählen den Takt der in der Abbildung gezeigten Musik wie folgt aus:

Eins zwei drei Eins zwei drei Eins zwei drei

Die Taktart 3/8 und 3/4 haben fast genau die gleiche Rhythmus Struktur in der Art und Weise wird der Beat abgezählt. Da jedoch 3/8 Anwendungen Achtel statt Viertelnoten, erhalten die Achtelnoten im Takt.

2/2 Mal zählen

Wenn die Taktart einer Linie 2/2 ist, auch Cut-Time genannt, erhält die halbe Note den Takt. Und da die obere Zahl festlegt, dass der Takt zwei Schläge enthält, wissen Sie, dass jeder Takt, wie gezeigt, zwei Halbtöne hat.

2/2 Mal

Sie zählen die Musik in der Figur wie folgt aus:

Eins zwei Eins zwei

Zeitunterschriften mit einer 2 als niedrigere Zahl wurden häufig in der mittelalterlichen und vormittelalterlichen Musik verwendet. Musik aus dieser Zeit verwendete eine Rhythmusstruktur, die als Taktus - später als Minim bezeichnet - bezeichnet wurde und auf dem Rhythmusmuster eines menschlichen Herzschlags basierte.

Übe das Zählen von Beats in einfacher Zeit

Unter Verwendung der Informationen aus den vorangehenden Abschnitten, Übungs Auszählen der Schläge (nicht die Noten) in der folgenden Reihe von Figuren dargestellt. Wenn diese Schläge laut zu zählen, erinnere mich an den ersten Schlag eine leichte Spannung zu geben. Für eine Herausforderung, versuchen Sie die Notizen tippen, während Sie die Schläge laut zählen.

Übung 1

Eins zwei drei vier | Eins zwei drei vier | Eins zwei drei vier

Einfache Zeitübung eins

Übung 2

Eins zwei drei | Eins zwei drei | Eins zwei drei

Einfache Zeitübung zwei

Übung 3

Eins zwei drei | Eins zwei drei | Eins zwei drei

Einfache Zeitübung drei

Übung 4

Eins zwei drei | Eins zwei drei | Eins zwei drei

Einfache Zeitübung vier

Übung 5

EINS zwei | EINS zwei | Eins zwei

Einfache Zeitübung fünf
  1. KunstzentrumMusikMusiktheorie: Populäre Genres und Formen

Von Michael Pilhofer

Es ist schwierig, über Form zu sprechen, wenn über Popmusik gesprochen wird, da der Begriff oft missbraucht wird. Stellen Sie sich Form als die Art und Weise vor, wie ein Musikstück konstruiert wird, wobei Regeln für diese Art von Musikkonstruktion gelten. Das Genre bezieht sich auf den Stil eines Songs, z. B. die verwendete Instrumentierung, den Gesamtklang der Musik usw.

Einige populäre moderne Musikgenres existieren jedoch schon lange genug, um bestimmte Muster in ihrer Gesamtkonstruktion erkennen zu können. Diese Genres sind

  • Blues Folk / Rock / Pop Pop Jazz

Den Blues spüren

Der Blues ist die erste wirklich amerikanische Volksmusik (abgesehen von der einzigartigen Musik, die die amerikanischen Ureinwohner vor der europäischen Invasion hatten). Die Struktur des Blues ist der gemeinsame Vorfahr so ​​ziemlich aller anderen Konstruktionen der amerikanischen Popmusik und hat auf der ganzen Welt Einfluss genommen. Um die Wende des 20. Jahrhunderts hatten sich Feldlärm, Kirchenmusik und afrikanisches Schlagzeug zu dem verschmolzen, was heute als Blues bekannt ist. Bis 1910 war das Wort Blues zur Beschreibung dieser Musik weit verbreitet.

In der Blues-Musik wird eine dreiteilige Song- oder Ternärform verwendet, die einem AABA-Muster von I-, IV- und V-Akkorden in einer bestimmten Tonleiter folgt. Der Abschnitt B ist die Brücke, ein kontrastierender Abschnitt, der den Hörer oder Interpreten auf die Rückkehr des ursprünglichen Abschnitts A vorbereitet. (Viele Leute beschweren sich, dass Rockmusik nur drei Akkorde verwendet: die Akkorde I, IV und V. Nun, das alles begann mit dem Blues!)

Der Blues wird fast immer im 4/4-Takt gespielt, wobei der Rhythmus entweder in regulären Viertelnoten oder in Achtelnoten und mit starken Akzenten sowohl im ersten als auch im dritten Takt eines Taktes erklingt.

Die gebräuchlichsten Arten von Blues-Songs sind der 12-Takt-Blues, der 8-Takt-Blues, der 16-Takt-Blues, der 24-Takt-Blues und der 32-Takt-Blues. Der „Balken“ gibt an, wie viele Takte in jedem Blues-Stil verwendet werden. Wenn Sie eine bluesige Stimmung haben, lesen Sie die folgenden Abschnitte, um mehr über diese gängigen Blues-Songtypen zu erfahren.

12-Takt-Blues

Der Name ist ziemlich selbsterklärend: In 12-Takt-Blues haben Sie 12 Takte oder Takte Musik, mit der Sie arbeiten können. In jedem Vers des 12-Takt-Blues (Sie können so viele Verse haben, wie Sie möchten, aber normalerweise hat eine 12-Takt-Blues-Komposition drei oder vier) löst das dritte 4-Takt-Segment die vorherigen 4 Takte auf. Die Auflösung oder Schlussfolgerung zum I-Akkord am Ende des Verses kann das Ende des Liedes signalisieren. Wenn der 12. Takt ein V-Akkord ist, signalisiert die Auflösung des I-Akkords, dass Sie zum Anfang des Songs zurückkehren, um den Verlauf für einen weiteren Vers zu wiederholen. Wenn das Lied mit einem neuen Vers fortfährt, wird der V-Akkord am Ende des Liedes als Turnaround bezeichnet.

Das am häufigsten verwendete Muster - von links nach rechts ablesen, von oben nach unten arbeiten - für den 12-Takt-Blues sieht folgendermaßen aus:

Wenn Sie also einen 12-Takt-Blues-Song in der Tonart C spielen würden, würden Sie ihn folgendermaßen spielen:

Wenn Sie diese Akkorde in dieser Reihenfolge schlagen können, haben Sie das Nötigste für Muddy Waters 'Klassiker „Sie können nicht verlieren, was Sie nie hatten“. Ändern Sie den Tonika-Akkord (I) in A (AAAA DDAA EDAE / A) ), und Sie haben Robert Johnsons "Crossroads Blues".

Wenn Sie den 12-Takt-Blues in einer Moll-Tonart spielen, gilt Folgendes:

Count Basies berühmte und beliebte Variation des 12-Takt-Blues enthielt Elemente der Dur- und Moll-Tasten, wie hier gezeigt:

8-Takt-Blues

Der 8-Takt-Blues ähnelt dem 12-Takt-Blues - er enthält nur kürzere Strophen und eine etwas andere Verwendung von Akkordfolgen. Hier ist das Standardmuster für 8-Takt-Blues:

16-Takt-Blues

Eine weitere Variation des 12-Takt-Blues ist der 16-Takt-Blues. Wo der 8-Takt-Blues vier Takte kürzer ist als der 12-Takt-Blues, ist der 16-Takt-Blues, wie Sie wahrscheinlich erraten können, viel länger.

Der 16-Takt-Blues verwendet dieselbe grundlegende Akkordmusterstruktur wie der 12-Takt-Blues, wobei der 9. und 10. Takt zweimal wie folgt angegeben werden:

24-Takt-Blues

Die 24-Takt-Blues-Progression ähnelt einer herkömmlichen 12-Takt-Blues-Progression, mit der Ausnahme, dass jede Akkord-Progression eine doppelte Dauer aufweist:

32-Takt-Blues-Balladen und Country

Das 32-Takt-Blues-Pattern zeigt die wahren Wurzeln der Rock- und Jazzmusik. Diese erweiterte Version des 12-Takt-Blues-Patterns hat die AABA-Struktur, auch Songform genannt, die in den 1960er-Jahren von Rockbands übernommen wurde. Das Muster wird auch als SRDC-Modell bezeichnet: Statement (A1), Restatement (A2), Departure (B) und Conclusion (A3).

Ein typisches 32-Takt-Blues-Layout kann ungefähr so ​​aussehen:

Als es zum ersten Mal erstellt wurde, war der 32-Takt-Blues bei „echten“ Blues-Interpreten nicht annähernd so beliebt wie die 12-Takt-Struktur, zum Teil, weil er mit der kurzen Form des Call-and-Response-Texts nicht so gut funktionierte das kennzeichnete den Blues. Für das Country-Musik-Genre hat es jedoch gut funktioniert, und Hank Williams (Sr.) verwendete diese Konstruktion in Songs wie „Your Cheating Heart“ und „I'm So Lonesome (I Could Cry)“. Freddy Fender verwendete diese Struktur in seine Hits "Wasted Days and Wasted Nights" und "Before the Next Teardrop Falls".

Als diese besondere Blues-Struktur jedoch von Leuten wie Irving Berlin und George Gershwin aufgegriffen wurde; Vieles - vielleicht alles - des wahren Herzens des Blues verschwand aus der daraus resultierenden Musik. Der 32-Takt-Blues verwandelte sich in populäre Songs wie "Frosty the Snowman" und "I Got Rhythm".

Der 32-Takt-Blues wurde auch durch die Intervention anderer klassisch ausgebildeter Komponisten, die die Ideen der Sonate und des Rondos mit dem traditionellen amerikanischen Blues mischten, erheblich verändert. Das Ergebnis war die Schaffung von nicht bluesig klingenden Songs, die solche Aspekte der klassischen Musik verwendeten, wie die Möglichkeit, die Tonart während des Bridge-Abschnitts eines Songs zu ändern.

Spaß mit Rock und Pop haben

Die meisten frühen Rock- und Pop-Songs folgen entweder der Struktur des 12-Takt-Blues oder des 32-Takt-Blues (siehe die Abschnitte weiter oben in diesem Kapitel). Chuck Berrys "Johnny B. Goode" ist eine Variation der 12-Takt-Blues-Struktur, die im Rock verwendet wird, ebenso wie der "19th Nervous Breakdown" der Rolling Stones. Die Beach Boys waren Meister der 32-Takt-Struktur und verwendeten sie in solchen Songs als "Good Vibrations" und "Surfer Girl". Die Beatles verwendeten diese Struktur auch in vielen ihrer Songs, darunter "From Me to You" und "Hey Jude". Jerry Lee Lewis "Great Balls of Fire", "The Righteous Brothers" Sie haben dieses Liebesgefühl verloren “und Led Zeppelins„ Whole Lotta Love “verwenden ebenfalls die AABA 32-bar. Bei 32-bar-Popmusik wird die Musik in vier Abschnitte mit 8 Takten unterteilt. Songs wie "Ain't Misbehavin '" von Fats Waller und "It Don't Mean A Thing" von Duke Ellington folgen der AABA-32-Takt-Struktur, während Charlie Parker den Rondo-Ansatz (ABAC) für die 32-Takt-Variation in Songs wie "AABA" verwendete "Ornithologie" und "Donna Lee".

Die zusammengesetzte AABA-Form sollte eigentlich AABAB2-Form heißen (ist es aber nicht), da Sie in dieser Form nach dem Spielen der ersten 32 Takte in einen zweiten Brückenabschnitt (B2) wechseln, der Sie direkt an den Anfang der zurückschickt Song, um die ursprünglichen 32 Takte des Songs zu wiederholen. Die Beatles "Ich will deine Hand halten", die Polizei "Jeder Atemzug, den du nimmst", Bostons "Mehr als ein Gefühl" und Tom Petty und der "Flüchtling" der Herzensbrecher folgen alle diesem Muster Die ABAB-Form ist heute die am weitesten verbreitete Form in der Rock- und Popmusik. Die Vers-Refrain-Form folgt der Struktur der daran angehängten Texte. Sie können natürlich ein Instrumentalstück schreiben, das dem gleichen Muster wie ein Vers-Chorus-Rock- oder Pop-Song folgt, aber die Struktur selbst hat ihren Namen von der Art und Weise, wie die Wörter in einem Song zusammenpassen.

Vers-Chorus-Lieder sind wie folgt aufgebaut:

  • Einleitung (I): Die Einleitung gibt die Stimmung vor und ist normalerweise instrumental, obwohl sie manchmal eine gesprochene Rezitation beinhalten kann, wie in Princes "Let's Go Crazy". Vers (V): Der Vers beginnt die Geschichte des Liedes. Chorus (C): Der Chorus ist der denkwürdigste lyrische Punkt des Songs - der des Songs Vers (V): Ein weiterer Vers setzt die Geschichte fort. Chorus (C): Der zweite Chorus verstärkt den Haken. Brücke (B): Die Brücke, die instrumental oder lyrisch sein kann, kommt normalerweise nur einmal im Lied vor und bildet einen Kontrast zur Wiederholung von Versen und Refrains. Chorus (C): Der letzte Refrain wiederholt den ursprünglichen Refrain, um ihn zu verblassen, oder stoppt einfach beim I-Akkord.

Die typische Rock- und Pop-Song-Struktur, wie wir sie hier beschreiben, ist IVCVCBC. Und genau wie bei der 12-Takt-Blues-Struktur sind die Akkorde der Wahl die Akkorde I, IV und V.

Tausende, vielleicht sogar Millionen populärer Lieder folgen dieser Struktur. Die Beatles "Ob-La-Di, Ob-La-Da", Tom Jones "Sexbombe", Kenny Rogers "The Gambler", Lady Gagas "Pokerface" und Eminems "Lose Yourself" sind Beispiele für diese Struktur in der zeitgenössischen Popmusik. Das wirklich Erstaunliche ist, wie unterschiedlich sich ein Song durch den Text oder die Musik selbst von dem anderen Song unterscheiden kann.

Improvisieren mit Jazz

Der wahre Geist des Jazz war schon immer die Improvisation, was es am schwierigsten macht, den eigentlichen Aufbau des Jazz zu bestimmen. Das Ziel im Jazz ist es, eine neue Interpretation eines etablierten Stücks (als Standard bezeichnet) zu schaffen oder auf einem etablierten Musikstück aufzubauen, indem die Melodie, die Harmonien oder sogar die Taktart geändert werden. Es ist fast so, als ob der Sinn des Jazz darin besteht, sich von der Form zu lösen.

Der beste Weg zu definieren, wie Jazz aufgebaut ist, besteht darin, die Grundidee der Blues-Vokalisierung - den Call-and-Response-Gesang - zu übernehmen und die Stimmen durch die verschiedenen Instrumente zu ersetzen, aus denen der Jazz besteht: Blechbläser, Bässe, Schlaginstrumente (einschließlich Klavier) ) und Blasinstrumente, zusammen mit der neueren Aufnahme, der E-Gitarre. Im Dixieland-Jazz spielen beispielsweise Musiker abwechselnd die Hauptmelodie auf ihren Instrumenten, während die anderen Gegenmelodien oder kontrastierende Sekundärmelodien improvisieren, die im Hintergrund folgen.

Das einzige vorhersehbare Element der Musik im Jazz-Genre - mit Ausnahme des Free Jazz, bei dem keine wirklich erkennbaren Regeln existieren, aber Jazz-Instrumentierung verwendet wird - ist der Rhythmus. Alle Jazz-Musikrichtungen mit Ausnahme von Free Jazz verwenden klare, regelmäßige und stark pulsierende Rhythmen, die während der gesamten Musik zu hören sind.

Zwölftonkompositionen

Zwölftonmusik - auch bekannt als serielle Komposition - ist eine Kompositionstechnik, die der österreichische Komponist Arnold Schönberg 1921 erfunden hat und die stark von den atonalen Kompositionen von Bela Bartok und Igor Strawinsky beeinflusst ist. Zwölfton-Kompositionen basieren auf der Zwölfton-Farbskala, bei der jede Note durch einen Halbton vom nächsten getrennt ist, im Gegensatz zur diatonischen Skala, bei der es sich um die Achtton-Skala handelt. Das Schöne an Zwölfton-Kompositionen ist, dass Sie, solange Sie den in der ersten Reihe erstellten Mustervariationen folgen, zu verschiedenen Oktaven springen können, um Ihre Komposition interessanter zu gestalten. Das Ziel einer Zwölftonkomposition ist es, jeden Ton auf der chromatischen Skala zu verwenden, bevor Noten wiederholt werden. Jede Folge von zwölf Noten wird als "Tonreihe" bezeichnet, und Zwölftonkompositionen sind im Grunde genommen Variationen der ersten präsentierten Tonreihe.

Nehmen wir an, Ihre Tonreihe beginnt wie gezeigt bei B natural und endet bei F natural.

Hauptreihe (P-Form)

Nachdem Sie Ihre erste Tonreihe oder die erste Reihe (oder P-Form) angelegt haben, kann Ihre zweite Variation eine Umkehrung des ursprünglichen Musters sein, bei der Sie wieder mit B natural beginnen, bei dem ersten Muster jedoch mit you Nehmen Sie die zweite Note einen halben Schritt nach unten und die zweite Note einen halben Schritt nach oben. Dies wird hier als Inversionsform oder I-Form bezeichnet. Alles, was Sie im ersten Muster getan haben, ist der umgekehrte Ansatz in der Umkehrung, der Sie zu einem F-Natural eine Oktave über der Stelle führt, an der Sie begonnen haben.

Inversionsform

Eine andere Möglichkeit, die Noten anzuordnen, wird als retrogrades Muster oder R-Form bezeichnet. Hier beginnen Sie mit der letzten Note der ersten Tonreihe (F) und stellen die gesamte Zeile wieder rückwärts vor, wobei Sie wie gezeigt mit B enden.

retrogrades Muster

Die letzte häufig verwendete Form, die retrograde Inversion (RI-Form), ist, wenn Sie die R-Form nehmen und genau die entgegengesetzten Schritte ausführen, die Sie im retrograden Muster ausgeführt haben. Also, im Folgenden, beginnend mit einem hohen F, gehen Sie drei Halbtöne runter (endend mit einem D), was genau das Gegenteil von dem ist, was Sie in der R-Form gemacht haben, wo Sie mit einem F begonnen haben und dreimal nach oben gegangen sind -Töne zu einer A-Ebene, wie gezeigt.

Retrograde Inversionsform

Während es viele andere mögliche Kombinationen gibt, sind dies die drei grundlegenden Kompositionstechniken, die in Zwölftonkompositionen verwendet werden. Der vielleicht bekannteste zeitgenössische Zwölfton- / Serienkomponist ist Philip Glass, dessen charakteristische Zwölfton-Kompositionen in Filmen wie North Star (1977), Candyman (1992), The Truman Show (1999) und The Stunden (2002).

  1. Art CenterMusicMusic Theory: Mitarbeiter, Notenschlüssel und Notizen

Von Michael Pilhofer

Noten und Pausen in der Musik sind darauf geschrieben, was Musiker als Notenzeilen (oder Notenzeilen, wenn Sie über zwei sprechen) bezeichnen. Ein Stab besteht aus fünf parallelen horizontalen Linien, die, wie gezeigt, vier Zwischenräume enthalten.

Primäre Notenzeilen

Notizen und Pausen werden in die Zeilen und Zwischenräume des Personals geschrieben. Die einzelnen Noten, die mit jeder Zeile und jedem Raum gemeint sind, hängen davon ab, welcher Notenschlüssel am Anfang des Notensystems geschrieben ist. Sie können auf einen der folgenden Schlüssel stoßen (obwohl die ersten beiden am häufigsten vorkommen):

  • Violinschlüssel Bass-Schlüssel C clefs, einschließlich Alt und Tenor

Stellen Sie sich jeden Notenschlüssel als ein Diagramm von Tonhöhen oder Tönen vor, die als Noten dargestellt werden, die über die Zeit auf fünf Linien und vier Zwischenräumen aufgetragen sind. Jede Tonhöhe oder Ton wird nach einem der ersten sieben Buchstaben des Alphabets benannt: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C ... und es hält auf diese Weise auf unbestimmte Zeit gehen, die Notennamen zu wiederholen wie die Tonhöhen wiederholen in Oktaven. Die Tonhöhen steigen von A nach G an, wobei jede Achtelnote - bei der Sie zu Ihrem Anfangsbuchstaben zurückkehren - den Beginn einer neuen Oktave kennzeichnet.

In den folgenden Abschnitte geben Ihnen weitere Details zu dem clefs einzeln und zusammen (ein großartiges Personal genannt). Außerdem werfen wir einen Blick auf dem C-Schlüssel, und wenn Sie Pfade mit ihm kreuzen könnten.

Der Violinschlüssel

Der Violinschlüssel ist für höhere Noten. Es enthält die Noten über dem mittleren C auf dem Klavier, dh alle Noten, die Sie mit Ihrer rechten Hand auf dem Klavier spielen. Auf der Gitarre ist der Violinschlüssel normalerweise der einzige Notenschlüssel, den Sie jemals gelesen haben. Die meisten Holzblasinstrumente, hohen Blechblasinstrumente und Violinen halten sich ausschließlich an den Violinschlüssel. Bei allen Instrumenten, die Höhen oder Höhen erzeugen, ist die Musik im Violinschlüssel geschrieben.

Der Violinschlüssel wird manchmal auch als G-Schlüssel bezeichnet. Beachten Sie, dass die Form des Violinschlüssels selbst einem stilisierten G ähnelt. Die Schleife des Violinschlüssels umkreist auch die zweite Linie des Notensystems, dh die Note G (siehe Abbildung).

Gclef

Die Noten befinden sich im Violinschlüssel auf Linien und Zwischenräumen in aufsteigender Reihenfolge (siehe Abbildung).

Violinschlüssel Noten

Der Bassschlüssel

Auf dem Klavier enthält der Bassschlüssel unteren schrillen Töne, die, die unter dem mittleren C, einschließlich aller Notizen, die Sie mit der linken Hand auf dem Klavier spielen. Musik ist im Bassschlüssel für niedrigere Blasinstrumente wie das Fagott, die unteren Blechblasinstrumente wie die Tuba und die unteren Saiteninstrumente wie die Bass-Gitarre im Allgemeinen geschrieben.

Ein anderer Name für den Bass-Schlüssel ist der F-Schlüssel. Die geschweifte Spitze des Notenschlüssels umgibt teilweise die Stelle, an der sich die F-Note auf dem Notensystem befindet. (Es sieht auch ein bisschen wie ein Kursivbuchstabe F aus, wenn Sie Ihre Vorstellungskraft einsetzen.)

F Notenschlüssel

Die Noten auf dem Bassschlüssel in aufsteigender Reihenfolge angeordnet, wie dargestellt.

Bassschlüssel Noten

Das großartige Personal und Mitte C

Setzen Sie die Violinschlüssel und Bassschlüssel zusammen und Sie erhalten den großartigen Stab, wie gezeigt.

Grand-Mitarbeiter

Das mittlere C befindet sich eine Zeile unterhalb des Violinschlüssels und eine Zeile oberhalb des Bassschlüssels. Aber es ist nicht in einem der Schlüssel. Stattdessen ist es auf einem Ledger Zeile geschrieben. Hauptbuchlinien sind Linien, die über dem Bassschlüssel und unter dem Violinschlüssel geschrieben sind und zum Verbinden der beiden Schlüssel erforderlich sind. Alles zusammen, und die Noten fließen reibungslos von einem Notenschlüssel zum anderen, ohne Unterbrechungen.

C-Schlüssel: Alt und Tenor

Gelegentlich begegnen Sie einem Tier, das als C-Schlüssel bekannt ist. Der C-Schlüssel ist ein beweglicher Schlüssel, den Sie auf eine beliebige Stabreihe legen können. Wie Sie sehen, wird die Linie, die durch die Mitte des C-Schlüssels verläuft, unabhängig von der Linie, als mittleres C betrachtet.

Mitte C

C-Schlüssel werden in der klassischen Notation für Instrumentalbereiche bevorzugt, die direkt über oder direkt unter der Mitte C liegen. Anstatt ständig zwischen dem Lesen von Violinschlüsseln und Bassschlüsseln wechseln zu müssen, muss ein Musiker nur einen Notenstab lesen.

C-Schlüssel wurden häufiger verwendet, bevor Noten standardisiert wurden und eine große Bandbreite von Tönen problemlos aufnehmen konnten. Heute sind die einzigen C clefs häufigsten verwendeten sind die folgenden:

  • Der Altschlüssel: Stellt das mittlere C in die dritte Notenzeile. am häufigsten zum Schreiben von Bratschenmusik verwendet. Der Tenorschlüssel: Stellt das mittlere C in die oberste Zeile des Stabs; am häufigsten für das Schreiben von Cello, Posaune und Fagott Musik.
  1. Kunst CenterMusicWhat Is Music Theory?

Von Michael Pilhofer

Eines der wichtigsten Dinge über Musiktheorie zu erinnern ist, dass die Musik zuerst da war. Musik existierte tausende von Jahren, bevor die Theorie auftauchte, um zu erklären, was die Leute versuchten, wenn sie auf ihre Trommeln schlugen.

Denken Sie also niemals daran, dass Sie kein guter Musiker sein können, nur weil Sie noch nie einen Theoriekurs besucht haben. In der Tat, wenn Sie ein guter Musiker sind, kennen Sie wahrscheinlich bereits eine Menge Theorie. Sie können einfach nicht die Terminologie oder technischen wissen.

Musiktheorie auf der Tastatur

Die Konzepte und Regeln, aus denen die Musiktheorie besteht, ähneln weitgehend den grammatikalischen Regeln für die Schriftsprache (die auch entstanden sind, nachdem die Menschen erfolgreich herausgefunden hatten, wie man miteinander spricht). So wie zu transkribieren Sprache zu können, machte es möglich, dass Menschen weit weg zu „hören“, Gespräche und Geschichten, die Art und Weise des Autor beabsichtigt, die Möglichkeit, zu transkribieren Musik Musiker Kompositionen lesen und spielen kann genau wie der Komponist gedacht.

Musik lesen zu lernen ist wie eine neue Sprache zu lernen, bis zu dem Punkt, an dem eine fließende Person beim Lesen eines Notenblatts eine musikalische Konversation „hören“ kann.

Viele Menschen auf der Welt können weder lesen noch schreiben, aber sie können trotzdem ihre Gedanken und Gefühle verbal gut kommunizieren. Auf die gleiche Art und Weise, viel intuitiver, Autodidakt Musiker haben nie zu lesen oder zu schreiben Musik und finden Sie die ganze Idee des Lernens Musiktheorie langweilig und unnötig gelernt. Aber genau wie die Bildungs ​​Sprünge, die mit dem Lernen zu lesen und zu schreiben kommen können, können Musiktheorie Musikern helfen, neue Techniken beherrschen, führen unbekannte Musikstile, und entwickeln das Vertrauen brauchen sie neue Dinge zu versuchen.

Unearthing Musiktheorie Anfänge

Soweit Historiker wissen, begann sich die Antike zu etablieren - ungefähr 7000 v.Chr. - Musikinstrumente hatten bereits eine Komplexität im Design erreicht, die sich bis in die Gegenwart fortsetzen würde. Zum Beispiel sind einige der Knochenflöten, die aus dieser Zeit stammen, noch spielbar, und es wurden kurze Aufführungen aufgenommen, damit moderne Zuhörer sie hören können.

In ähnlicher Weise haben Piktogramme und Grabschmuck gezeigt, dass von 3500 v.Chr., Wurden Ägypter Harfen sowie Doppelrohrblatt Klarinetten, Harfen, und ihre eigene Version der Flöte mit. Um 1500 v. Chr. Hatten die Hethiter in Nordsyrien das traditionelle ägyptische Lauten / Harfen-Design modifiziert und die erste zweisaitige Gitarre erfunden, mit einem langen, mit Bünden versehenen Hals, Stimmwirbeln oben am Hals und einem hohlen Resonanzboden zur Verstärkung der Gitarre Geräusch der gezupften Saiten.

Viele offene Fragen bleiben über alte Musik, wie, warum so viele verschiedene Kulturen kamen mit so vielen der gleichen Klangqualitäten in ihrer Musik völlig unabhängig voneinander auf. Viele Theoretiker haben festgestellt, dass bestimmte Muster von Noten genau richtig Zuhörer klingen, und bestimmte andere Muster nicht. Musiktheorie, dann sehr einfach, könnte als eine Suche definiert werden, wie und warum Musik klingt richtig oder falsch. Mit anderen Worten, ist der Zweck der Musiktheorie zu erklären, warum etwas, um die Art und Weise klang es tat und wie das Geräusch wieder hergestellt werden.

Viele Leute betrachten das alte Griechenland als den eigentlichen Geburtsort der Musiktheorie, da die alten Griechen ganze Schulen der Philosophie und Wissenschaft gegründet haben, die darauf ausgerichtet waren, jeden damals bekannten Aspekt der Musik zu zerlegen. Sogar Pythagoras (der Triangel-Typ) kam auf die Bühne, indem er die Oktavskala mit 12 Tonhöhen entwickelte, die derjenigen ähnelt, die Musiker und Komponisten heute noch verwenden. Er tat dies über den ersten Kreis von Fünfteln, ein Gerät nach wie vor religiös von Musikern verwendet, um aus allen Lebens geht.

Ein anderer berühmter griechischer Wissenschaftler und Philosoph, Aristoteles, ist für viele Bücher über Musiktheorie verantwortlich. Er begann eine rudimentäre Form der Musiknotation, die in Griechenland und den folgenden Kulturen nach seinem Tod fast tausend Jahre lang verwendet wurde.

In der Tat war so viel Musiktheorie Grundstein im alten Griechenland verlegt, dass wesentliche Änderungen erst in der europäischen Renaissance fast 2000 Jahre später notwendig schien. Die Nachbarn und Eroberer Griechenlands waren alle mehr als glücklich, griechische Mathematik, Naturwissenschaften, Philosophie, Kunst, Literatur und Musik in ihre eigenen Kulturen zu integrieren.

Musiktheorie Grundlagen

Während es schön wäre, einer der Leute zu sein, die an jedem Instrument sitzen und schöne Musik spielen können, ohne irgendeine Ausbildung zu haben, brauchen die meisten Leute eine Art strukturierten Unterricht, sei es von einem Lehrer oder vom Lesen eines Buches. Hier gehen wir die grundlegenden Informationen über Sie brauchen, zu lernen, wie zu lesen, Musik, Spiel Skalen, versteht Tonarten, Build-Akkorde und compose mit Formen.

Die Grundlage: Noten, Pausen und Beats

Das Erlernen des Musiklesens ist für einen Musiker von wesentlicher Bedeutung, insbesondere für jemanden, der seine Musik mit anderen Musikern teilen oder herausfinden möchte, was andere Musiker spielen. Durch das Studium der grundlegenden Elemente, wie zum Beispiel Zeitwerte der einzelnen Arten von schriftlichen Notiz, musikalische Pausen, Taktart und Rhythmus, setzen Sie sich auf den Weg Musik zu meistern. Alle diese Elemente zusammen, um eine Grundlage zu schaffen, die Ihnen erlaubt, zu lesen, spielen und studieren Musik.

Noten manipulieren und kombinieren

Lesen Noten sowohl auf die Höhen und Bass-Schlüssel Dauben sowie der Suche nach Noten auf dem Klavier und Gitarre - die beiden häufigsten Instrumente, auf denen die Menschen selbst lehren zu spielen - sind entscheidend für die Herstellung und das Studium Musik.

Wenn Sie Ihre Notizen auf den Dauben lesen können, können Sie ein Musikstück der Tonart bestimmen, die eine Gruppe von Symbolen ist, die Sie welche Schlüssel erzählt das Lied geschrieben ist. Sie Quintenzirkel, sich Hilfe Zug benutzen können Tonarten lesen auf dem ersten Blick durch die scharfen Gegenstände oder wohnungen in einer Taktart zu zählen.

Nachdem Sie sich mit den Schlüsselsignaturen vertraut gemacht haben, können Sie mit Intervallen, Akkorden und Akkordfolgen fortfahren, die die Komplexität des musikalischen Klangs erzeugen - von angenehm und beruhigend bis angespannt und auflösungsbedürftig. Sie bauen Tonleitern und Akkorde mit einfachen oder zusammengesetzten Intervalle: melodisch und harmonisch.

Die Verknüpfung der Tastatur Musiknotation

Vor der Renaissance gab es in der Musiktechnologie nur wenige wirklich innovative Änderungen. Saiteninstrumente, Holzblasinstrumente, Hörner und Schlaginstrumente gab es schon seit Tausenden von Jahren, und obwohl sie viele Verbesserungen im Design und in der Spieltechnik erfahren hatten, waren sie im Wesentlichen dieselben Instrumente, die von den Menschen der alten Kulturen verwendet wurden. Erst die 1300er, dass eine neue musikalische Schnittstelle erschienen: die Tastatur.

Mit der Erfindung der Tastatur kam den Beginn der modernen Musiknotation - Musik geschrieben. Der Tastatur-Notation Link wurde wegen der Leichtigkeit, gefördert von der Tastatur für volle Orchester zu komponieren. Außerdem haben die meisten neu in Auftrag gegebenen Arbeiten wurden für Tasteninstrumente geschaffen, weil die öffentliche Wahrnehmung der Tastatur als überlegenes Instrument.

Französische Komponisten des 15. Jahrhunderts fügten ihren musikalischen Notenzeilen so viele Zeilen hinzu, wie sie brauchten. Sie schrieben auch Musik mit mehreren Stangen gleichzeitig von verschiedenen Instrumenten gespielt werden. Da auf der Tastatur so viele Noten zur Verfügung stehen, wurden verschiedene Notensysteme für Links- und Rechtshänder verwendet. Diese Dauben sind der Bassschlüssel und der Violinschlüssel.

Keyboards hatte auch den Vorteil, dass es unglaublich einfach zu bauen Akkorde auf. Im 17. Jahrhundert wurde die fünf gesäumten Personal für die meisten Musikinstrumenten Standard betrachtet - wahrscheinlich, weil es einfacher und billiger war nur eine Art von Noten zu drucken für Musiker zu komponieren auf. Das System hat sich in den letzten vier Jahrhunderten kaum verändert und wird sich wahrscheinlich erst wieder ändern, wenn eine neue, ansprechendere Instrumentenschnittstelle hinzukommt.

Musikalische Form und Kompositionen

Die beliebtesten und klassische Musik spezifischen Formen zusammengesetzt werden. Ein Formular ist ein strukturelles Entwurf verwendet, um eine bestimmte Art von Musik zu schaffen. Die Bausteine ​​der Form umfassen musikalische Phrasen und Perioden, und Rhythmus, Melodie und Harmonie treten in das Bild ein, um das Genre oder den Stil eines Musikstücks zu kreieren.

Wenn Musik zu schreiben Hinsetzen, müssen Sie entscheiden, welche Form folgen Sie gehen; zum Beispiel klassisch oder beliebt. Sie können aus vielen verschiedenen klassischen und beliebten Formen wählen, darunter Sonaten, Konzerte, 16-Takt-Blues und Vers-Chorus. Sie können vielfältige Klang in was auch immer Sie durch das Spiel mit Tempo, Dynamik und Instrumentenklangfarbe wählen, bilden erstellen.

Wie Theorie deiner Musik helfen kann

Wenn Sie es nicht besser wüsste, können Sie denken, dass die Musik war etwas, das auf jeder Note beginnen konnte, gehen, wohin sie wollten, und stoppt, wenn der Ausführende Filz wie ein Glas Eistee aufzustehen. Obwohl es wahr ist, dass viele Leute musikalische Darbietungen besucht haben, die tatsächlich diesem „Kompositionsstil“ folgen, sind diese Darbietungen zum größten Teil verwirrend und ärgerlich, geben sich selbst hin und fühlen sich ein wenig sinnlos.

Die einzigen Leute, die einen spontanen Jam gut schaffen, sind diejenigen, die die Musik so gut kennen, dass sie Akkorde und Noten nebeneinander stapeln, damit sie für die Zuhörer einen Sinn ergeben. Und weil Musik von Natur aus eine Form der Kommunikation ist, ist die Verbindung zu Ihren Zuhörern das Ziel.

Es ist auch unglaublich inspirierend, mehr über Musiktheorie zu erfahren. Nichts kann das Gefühl beschreiben, das man bekommt, wenn die Glühbirne im Kopf ausgeht und man merkt plötzlich, dass man eine 12-Takt-Blues-Progression zusammenstellen und daraus einen wirklich guten Song machen kann. Oder wenn Sie sich ein klassisches Musikstück ansehen und sich darauf freuen, es zum ersten Mal durchzuspielen. Oder wenn Sie sich zum ersten Mal hinsetzen, um mit Ihren Freunden zu jammen, und feststellen, dass Sie das Selbstvertrauen haben, die Führung zu übernehmen.

Als Musiker ist die unvermeidliche Tatsache: Was Sie aus der Musik machen, ist das, was Sie in sie stecken. Wenn Sie in der Lage sein möchten, klassische Musik zu spielen, müssen Sie in der Lage sein, visuell zu lesen und einen gleichmäßigen Rhythmus beizubehalten. Wenn Sie vorhaben, Rockgitarrist zu werden, ist es besonders wichtig zu wissen, welche Noten Sie für eine bestimmte Tonart benötigen. Zu wissen, wie man Musik spielt, erfordert viel persönliche Disziplin, aber am Ende ist es die harte Arbeit wert. Außerdem macht es natürlich Spaß, Musik zu spielen, und es macht unglaublich Spaß, zu wissen, wie man Musik gut spielt. Jeder liebt einen Rockstar / Jazzmann / Mozart.

  1. Art CenterMusic10 Musikalische Bewegungen, die die Geschichte verändert haben

Von Michael Pilhofer

Die Schwierigkeit, eine Top-Ten-Liste revolutionärer Musik oder Musikbewegungen zusammenzustellen, besteht darin, dass vieles, was die moderne westliche Zivilisation über revolutionäre Musik weiß, sehr begrenzt ist. Die Geschichte steckt voller Menschen wie der spanische Priester Diego de Landa, der sein Leben der Zerstörung der Maya-Literatur und -Geschichte gewidmet hat, oder Kaiser Jovian, der alle nicht-christlichen Texte und Partituren in der Bibliothek von Antiochia zerstört hat, oder Dschingis Khan, der berühmt ist Entlassung und Zerstörung der iranischen und irakischen Bibliotheken.

Das Folgende kann nur als eine unvollständige Liste einiger der revolutionären Techniken angesehen werden, die die Musik im Allgemeinen verändert haben, sowie einiger der revolutionären Musik, die die Welt verändert hat.

800 v. Chr. - England, Gregorianischer Gesang

Der Gregorianische Gesang mag nicht wie eine revolutionäre Form der Musik erscheinen, da seine Geschichte und Verwendung fast untrennbar mit der römisch-katholischen Kirche verbunden ist - er ist sogar nach Papst Gregor I. benannt, dem die Popularisierung der Musik zugeschrieben wird. Da jedoch Musik so ein wichtiger Teil der Gottesdienste war, und so viel der westlichen Zivilisation wurde durch folgende Faktoren beeinflusst, was war und nicht von der frühen Kirche erlaubt, macht es Sinn, dass das Aufkommen der es ein Ausgangspunkt für viele musikalische Innovationen und Revolutionen.

Gregorianische Gesangsmusik

Weg zurück in den Tagen, als alle Unterhaltung war live, einer der vielen Gründe, warum viele Menschen Gottesdienste strömten war für den Unterhaltungswert-viel Arbeit und Geld wurde in den Bau von mittelalterlichen Kirchen gegossen, was zu einer großen, schönen Gebäuden mit erstaunlichen Akustik für Choraufführungen. Im 9. Jahrhundert begann Papst Gregor I., Kirchenlieder aus kleineren Landkirchen zu sammeln, und wählte die besten Lieder aus, die in den üblichen Gottesdiensten in ganz Europa verwendet werden können. Da Musikinstrumente zu dieser Zeit in der Kirche nicht erlaubt waren, wurden alle gesammelten Hymnen a cappella aufgeführt, in der Regel von einem rein männlichen Chor. Während die meisten Musiktheoretiker die Vorstellung bestreiten, dass Papst Gregor I. den Gregorianischen Gesang erfunden hat, versteht es sich von selbst, dass der Mann ein echter Musikliebhaber war und den größten Teil seines Lebens darauf verwendet hat, Musik zu suchen, zu sammeln und der Masse nahezubringen.

Das Hauptmerkmal des gregorianischen Gesangs ist, dass er monophon a cappella vorgetragen wird. In der monophonen Musik wird eine einzelne Musiklinie von einer oder mehreren Stimmen ohne gegensätzliche Harmonie gespielt. Je mehr Stimmen Sie zusammen in einem monophony, desto lauter die resultierende Musik ist, und wenn Sie mehrere schrillen Sänger verwenden, dass einzelne Linie Gewinne großer Tiefe und Resonanz. Kurz gesagt, es eignet sich perfekt für die Akustik eines großen, hohlen Innenraums einer gotischen Kathedrale.

Gregorianik von der Kirche aggressiv gefördert wurde, und vor allem von der Heilige römische Kaiser Karl der Große, der anscheinend ein großer Fan des Stils war, erforderlich, um den Klerus nur ausführen gregorianischen Gesängen in ihre Dienste auf dem Schmerz des Todes. Zu der Zeit, Papst Stephan V. an die Macht in 885 kam A. D., hatte Gregorianik verbreitete sich in England, Deutschland, Skandinavien, Island, Finnland und den östlichen katholischen Ländern Polen, Mähren und der Slowakei.

Einer der wichtigsten Nebenwirkungen von Hymnen aus diesen kleinen Landkirchen sammeln die Erkenntnis war, dass es nicht der Fall war eine standardisierte Art und Weise zu schreiben Musik nach unten vorhanden ist, so alle Songs, um sie für die Nachwelt zu erhalten, mußte aufgezeichnet wird unter Verwendung von eine Art universelles System. Schließlich diese Experimente mit Musik Transkription führten zu Bischof Guido D'Arezzo Erfindung von solfege, die die ersten universell verwendet (und verstanden) Musiknotationssystem in nachrömischen Reich Europa waren.

1100 v. Chr. Organum / Europäische Polyphonie

Nicht lange nach der Erfindung und eine schnelle Ausbreitung von solfege wurde es möglich, für Komponisten-noch meist Elite Mitglieder der römisch-katholischen Kirche zu beginnen Hinzufügen wenig harmonischen Schnörkel auf die melodische Linie des Gregorianischen Chorals. Denn während es war durchaus möglich, für Menschen, die diese harmonische Schnörkel auf eigene Faust zu singen, die meisten Sänger nach einem Stück von Noten nicht tun, und wenn diese Sänger Teil eines 12. Jahrhundert Kirchenchor sind, werden sie mit Sicherheit tun fügen Sie diese stimmlichen Schnörkel nicht selbst hinzu. Diese Schnörkel werden Organum oder Polyphonie genannt, was nur ein Musikstück mit mehr als einem Gesangsteil bedeutet - speziell Melodie plus Harmonie. Einige der ersten Experimente mit transkribiertem Organum wurden von Guido D’Arezzo selbst niedergeschrieben, was zeigt, wie sicher er in sein neues System der universellen Musiktranskription war.

In der frühen europäischen Polyphonie wurden verschiedene Arten von Organen verwendet. Es gibt parallel organum, in denen die gleichen Noten von allen Mitgliedern des Chores gesungen werden, sind aber in verschiedenen Oktaven ausgedrückt. In der freien Orgel können die oberen (höchsten) und die unteren (niedrigsten) Stimmen des Chores variieren, wie sie eine Note halten, wobei der starke Mittelteil des Chores die Melodie trägt. Im melismatischen Organum von Notre Dame kann die untere Stimme sowohl im Ton als auch im Rhythmus von der Melodie abweichen, während im melismatischen Organum von St. Martial diese Variationen in der oberen Stimme ausgedrückt werden.

Aufgenommen im Rahmen der modernen Musik, diese scheint nicht wie große Sprünge in Kompositionsstil, aber die Tatsache, dass diese kleinen Schnörkel jetzt alles auf einem Stück Noten geschrieben werden, könnten auch für andere Chöre in der Nähe zu replizieren perfekt war wahrscheinlich ein großer Anreiz für Komponisten interessantere und kompliziertere Musik zu erfinden. Sie paßt auch, dass etwa zur gleichen Zeit, dass D'Arezzo sein solfege System vorgestellt, Glasmalerei perfektioniert worden war und die Kirche begann in seinen Kathedralen riesiges Glasfensters der Installation, einen Besuch in Ihrer Nähe Kirche machte eine visuelle sowie akustisches Ereignis.

1649 - England, die Diggers

Die Diggers begannen als eine Gruppe von fünfzehn protestantischen Bauern und Grundbesitzern, die beschlossen, ihre eigene Gemeinde zu bilden und isolieren sich vom Rest von England, und zwar von der Macht der Monarchie und der Kirche von England. Gegründet von Quaker Aktivisten Gerrard Winstanley, der Diggers (oder True Levellers, wie sie sind auch manchmal genannt) angenommen, in wirtschaftlicher Gleichheit und eine strenge Nivellierung der sozialen Ordnung. Sie gelten als die erste post-römisches Reich europäische sozialistische / anarchistische Gemeinschaft sein, und während sie eine relativ kleine Gemeinschaft der Gruppe eigenen Betriebe waren in ganz England verstreut, die Auswirkungen ihrer Ideen und vor allem ihrer Musik, dauerten Jahrhunderte länger, als sie tat.

Im Jahr 1649 begannen die Diggers mit Gemüsegärten im Gemeindeland von Surrey und veröffentlichten Ankündigungen in der Gegend, in denen jedem, der sich ihrer Gemeinde anschloss und bei der Erschließung des Gemeindelandes half, kostenloses Fleisch, Getränke und Kleidung angekündigt wurde. Ihre Absicht war es, genügend Bürger zu bekommen, um sich den Diggers anzuschließen und ihre kleinen Grundstücke dazu beizutragen, dass das gesamte Gebiet in Privatbesitz übergeht. Da der Besitz von Eigentum der Macht gleichkam, wurden die Diggers zu einem mächtigen politischen Einflussfaktor, und die örtlichen Behörden traten ein und jagten die Diggers aus Surrey heraus. Während der nächsten paar Jahre erschienen kleinere Digger-Gemeinden in anderen Teilen Englands, aber bis 1651 war die Bewegung vorüber, hauptsächlich aufgrund von Eingriffen der Regierung. Vorbei, aber nicht vergessen - mehr als 300 Jahre später gründete ein Ableger der San Francisco Mime Troupe, die sich Diggers nannte, ein Lager im Golden Gate Park und verteilte kostenloses Essen, kostenlose Kleidung und predigte den Passanten über Sozialismus, Anarchie und die Freuden eines agrarischen Lebensstils.

Eines der überraschenden Vermächtnisse der kurzlebigen Diggers ist ihre von Winstanley verfasste Protesthymne, genannt "Diggers 'Song". Diese Hymne wurde von Quäkern in die Neue Welt getragen und von den Amischen, Mennoniten und anderen übernommen Agrarreligiöse Gruppen und später Arbeiterbewegungen in den USA, Großbritannien und der Sowjetunion. Englische Folksänger Leon Rosselson verzeichnete die Hymne unter dem Titel „You Edler Diggers All“, während Pop-Band Chumbawamba es 1381-1914 in ihren 1988-Release Englisch Rebel Songs enthielt.

17. Jahrhundert: Italien, Oper

Auch wenn die Oper heute als etwas präsentiert wird, das von Elite-Musikkonsumenten am meisten geschätzt wird, war sie bei ihrem ersten Auftritt auf der Bühne für jedermann gedacht. So wie die alten Griechen ihr Theater hatten, die Römer ihr Kolosseum und das elisabethanische England ihre Theaterstücke hatten, hatten die Italiener des 17. Jahrhunderts ihre Oper. Während die meisten Opernaufführungen anfangs in den Häusern ihrer Gönner enthüllt wurden - wie die erste anerkannte italienische Oper, Daphne, die erstmals 1598 im Nachlass des Komponisten Jacopo Corsi privat gezeigt wurde -, konnte man sie nach der ersten Aufführung sehen und hören Oper wiederholt in Räumen in ganz Italien durchgeführt. Puppenspieler basierten ihre Handlungen oft auf populären Opern und spielten die Live-Bühnenshow zur Freude von Kindern und Erwachsenen in Miniatur nach. Die eine Definition von Qualität der Oper ist nicht die Kostüme oder die Menge oder die Qualität der Sänger-es ist, dass die gesamte Leistung wird gesungen, und wenn es signifikante sprachigen in einer Aufführung ist, dann wird die Produktion Musiktheater betrachtet.

Obwohl die Oper für den populären Konsum gedacht war, heißt das nicht, dass die Erfinder der Oper, insbesondere der italienischen Oper, keine unglaublich hohen Ansprüche an ihre Kompositionen hatten. Die ursprüngliche Absicht der italienischen Oper war zu komplex Poesie mit ebenso komplexer Musik mit dem Zweck der Fahrt eine Geschichte über, so zu kombinieren, dass Sie mit einer Synthese aller populären Genres der Unterhaltung würden am Ende. Auf diese Weise war die Oper wirklich für alle gedacht - Fans großartiger Musik, Fans großartiger Literatur und Fans schöner Bühnenbilder und Kostüme. Auch in der Oper gibt es keine Regeln, weshalb die Grundform über Jahrhunderte erhalten geblieben ist und sich zu spektakulären Rockopern wie „Jesus Christ Superstar“ und Comicopern wie „The Mikado“ entwickelt hat "(Und seine Lounge-Musik-gefüllte Verfilmung" The Cool Mikado ").

1789-1799: Die französische Revolution

Viele betrachten die Französische Revolution als die Geburtsstunde des modernen Protestliedes, in dem Lieder eingeführt wurden, die leicht erlernbar und an das, was gerade geschah, anpassbar waren. Die richtigen Namen sowie bestimmte Ereignisse und Ortsnamen konnten in diesen Songs leicht ausgetauscht werden. Sie machten das perfekte Marschlied für Mobs von Revolutionären.

Die vielleicht berühmteste dieser Songs ist 1792 „La Carmagnole,“ jetzt der offizielle Song der Revolution Französisch betrachtet. Der Name des ursprünglichen Komponisten ist verloren gegangen, aber die Melodie, oft begleitet von wildem Tanzen, verbreitete sich wie ein Lauffeuer unter den französischen Bauernklassen. Während der Revolution wurde das Lied in der Schlacht von Jemappes im Jahr 1792 in einen Schlachtruf verwandelt, zusammen mit einem anderen beliebten Lied, "La Marseillaise". ( „Go, Louis, große Heulsuse / aus dem Tempel in den Turm“), wie sie Louis XVI und Konsorten gezwungen, den Palast zu fliehen.

Seit der Revolution ist "La Marseillaise" die französische Nationalhymne, die oft in Verbindung mit "La Carmagnole" gesungen wird.

1913 - Atonale Musik und Igor Strawinskys "Ritus des Frühlings"

Atonale Musik ist Musik ohne tonalen Mittelpunkt, was einfach bedeutet, dass sie keiner Tonart zugeordnet ist. Arnold Schönberg, Béla Bartók, Igor Strawinsky und Leon Kirchner sind nur einige der bekannteren Komponisten der klassischen Musik atonal, während Jazz-Musiker wie Duke Ellington und Eric Dolphy sehr viele Free-Jazz-Stücke ohne tonales Zentrum zusammen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte das klassische Mainstream-Publikum jedoch fast keinen Kontakt zu atonalen Kompositionen. Bartók galt als einflussreicher atonaler Komponist, war in seiner Blütezeit jedoch eher dafür bekannt, osteuropäische Volksmusik zu suchen und zu reproduzieren, und die meisten seiner atonalen Kompositionen wurden nur von Leuten gehört, die sie aktiv suchten. Schönberg war ein weiterer atonaler Komponist, der heute als einflussreich gilt. Während seiner Professur an der Zweiten Wiener Musikschule galt ein Großteil seiner Arbeit im Bereich der Atonalität eher als akademische Übung als als Versuch, Musik für die Massen zu schaffen. Das erklärte Ziel des Komponierens atonaler Musik durch die Zweite Wiener Schule war es, eine wahrgenommene „Krise der Tonalität“ in der Mainstream-Musik zu bekämpfen.

Die atonale Musik hatte jahrzehntelang in den dunklen unterirdischen Musikszenen der Universitäten und Galerien gefeiert, als Igor Strawinsky sie in einem Publikum entfaltete, das bereits durch das Aufkommen des Ersten Weltkrieges in der Pariser Erstaufführung seines bekanntesten Orchesterwerks 1913 erschüttert worden war. „Le Sacre du Printemps“. Famously führte die Leistung in berichtet gewaltsamen Auseinandersetzungen zwischen der Oberschicht, die erwartet kam schön, zugänglich Musik und der „Bohemian“ Gruppe zu hören, die alles und jedes neue geliebt, weil sie den Status quo so sehr hasste.

"Die Musik geht immer auf die Note neben der, die Sie erwarten", schrieb ein verärgerter Kritiker der Nacht. Die ungewöhnliche Verwendung von Fagotten für den schrillen Öffnungsabschnitt der Melodie wurde auch immer wieder kommentiert, wie die „aggressive“ war pulsierende Rhythmen, die offenbar den Mann direkt hinter Musikkritiker Carl Van Vechten sitzt inspiriert beginnen in der Zeit auf dem bekannten Stampfen Journalistenkopf. Während die folgenden Aufführungen des Ritus des Frühlings nicht wie bei der Premiere zu Unruhen geführt haben, ist das Publikum weiterhin alarmiert, bestürzt und fasziniert von der Komposition, einschließlich Generationen von Kindern, die die Orchesterkomposition für immer mit friedlichen pflanzenfressenden Dinosauriern gleichsetzen, von denen terrorisiert wird ein plündernder Tyrannosaurus Rex in Disneys Fantasie.

1950-1990: Lateinamerika und der Iberischen Halbinsel, „Nueva Canción“ (der neue Song-Bewegung)

Nueva Canción war eine musikalische Bewegung, die fast gleichzeitig in Argentinien, Chile und Spanien, und breitete sich auf der iberischen Halbinsel in Europa und überall in Lateinamerika gestartet. Seine hochpolitischen Texte, die auf die Musik der jeweiligen Region abgestimmt waren, spiegelten die Unruhe der iberischen Völker unter der Diktatur von Francos Spanien und den Autoritarismus von Salazars Portugal wider Kolonialismus.

Sowohl in Europa als auch in Lateinamerika war die Musik eng mit der revolutionären Politik und den Arbeiterbewegungen verbunden. Die Musiker wurden oft eingesperrt, "verschwunden", verbannt, gefoltert und von verschiedenen rechten Diktaturen für ihre Musik eklatant ermordet. Der chilenische Songwriter Víctor Jara hat seinen Komponisten bei weitem überlebt - während des Pinochet-Putsches in Chile wurde Jara mit Tausenden anderer Demonstranten ins Chile-Stadion gebracht, wo er gefoltert und erschossen wurde. Unter Pinochet wurden nueva canción-Aufnahmen beschlagnahmt und vernichtet, und es war Radiosendern verboten, die Musik abzuspielen. Sogar traditionelle Andeninstrumente wurden verboten, um nueva canción music gänzlich zu unterdrücken. Diese Periode in der chilenischen Geschichte ist als apagón cultural bekannt - als kultureller Blackout.

Wie die Geschichte oft gezeigt hat, zerstört ein politisches Eingreifen und Unterdrücken nicht immer ein Lied oder eine Idee. Vierzig Jahre nach seinem ersten aufgezeichnet wurde, chilenisch Songwriter Violeta Para Lied „Gracias a la Vida“ ( „Dank das Leben“) fand neues Leben als Hymne für die ukrainische Revolution in Orange, klar auf der anderen Seite des Planeten. Unterdessen ging argentinische Folksänger Atahualpa Yupanqui aus einem politischen Exil aus seiner Heimat im Jahr 1931 sein, um von der Regierung Französisch eingeladen, ein Stück zu komponieren 1989 die Bicentennial der Französisch Revolution zu gedenken.

1960er Jahre: Bürgerrechtsbewegung der USA

Es gibt vielleicht keine Protestlieder, die dem Publikum in den USA vertrauter sind als die der Bürgerrechtsbewegung. Dies liegt wahrscheinlich daran, dass die meisten Songs, die heute als offizieller Kanon für Bürgerrechte gelten, von einigen der besten Blues-, Jazz- und Folkmusiker des 20. Jahrhunderts in Standards umgewandelt wurden.

Auch wenn Billie Holiday "Strange Fruit" noch vor der Bürgerrechtsbewegung gespielt hat, wird es von vielen als das offizielle Lied der Bewegung angesehen. Obwohl die Single zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung im Jahr 1939 von den Funkwellen verbannt wurde, war sie ein so erstaunlicher, kraftvoller Song, dass sie sich immer noch über eine Million Mal verkaufte. Im Jahr 1965 nahm Nina Simone ihre eigene kraftvolle, krasse Version des Songs auf und veranlasste einige Musikkritiker, ihn sofort als „Das Lied des Jahrhunderts“ zu bezeichnen. John Coltranes dunkles, launisches Jazzstück „Alabama“ wurde geschrieben, nachdem er davon gehört hatte die vier kleinen Mädchen in einer Kirche Bombenanschlag in Birmingham, Alabama, getötet und ohne Text eine der wenigen erkennbaren Protestlieder sein kann.

Ein weiteres Beispiel für die Bürgerrechtsbewegung war Curtis Mayfields kraftvolles freudiges Stück "People Get Ready", das die grundlegende Botschaft enthielt, dass gute Zeiten gleich um die Ecke sind, also sollten Sie sich besser auf sie vorbereiten. Zu diesem Thema gehörte auch Sam Cookes "A Change Is Gonna Come", das angeblich von seinen eigenen Erfahrungen inspiriert wurde, die er an ausschließlich weißen Orten in ganz Amerika hatte. Diese Gefühle spiegeln sich auch in den Texten von Bob Dylans Gegenkultur-Hymne „The Times They Are A-Changin '“ wider. Aber vielleicht hat es kein Lied besser, lauter oder mutiger gesagt als dieser ausgesprochene Sozialaktivist und selbsternannte Anführer von die afroamerikanische Bewegung, James Brown. Brown schrieb "Sag es laut, ich bin schwarz und ich bin stolz" während einer Reise nach Vietnam, um die Truppen zu unterhalten - das Lied ist durch seine vielen Permutationen bis heute zur Hymne für die Bürgerrechtsbewegung geworden.

1980er Jahre: Estonia Singing Revolution

Eine der vielleicht erstaunlichsten Revolutionen der letzten Jahre war die estnische Gesangsrevolution, die ihr Ziel erreichte, sich mit meist gewaltfreien, friedlichen Mitteln von der Sowjetunion zu lösen.

Während der Besetzung Russlands - später der Sowjetunion - war es den Esten jahrhundertelang verboten, ihre traditionellen Lieder zu singen oder sogar ihre Sprache zu sprechen. Anstatt ihre einheimische Kultur unter dieser Besatzung sterben zu lassen, hielten die Menschen in Estland ihre Lieder, ihre Literatur und ihre Sprache geheim, bis 1869 der Verleger Johann Voldemar Jannsen die erste Liederfeier im Rahmen einer unterirdischen estnischen nationalen Erweckungsbewegung organisierte . Über 800 Sänger nahmen am ersten Festival teil und alle Lieder wurden auf Estnisch gesungen.

Die russischen Behörden haben dem Festival nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt, möglicherweise weil zu viele Menschen an dem friedlichen Festival teilgenommen haben, als dass sie auf irgendeine Weise reagieren könnten, die für sie keine wirklich schlechte Werbung wäre. Ein zweites und drittes Festival wurde in wenigen Jahren organisiert und durch das vierte Festival im Jahr 1891, Frauen auch in den Chören beteiligt waren. Einige Jahre später, hatten Hunderte von Kindern als auch verbunden, und bis dahin war es nichts jemand tun könnte, um die Menschen von Estland vom Singen zu stoppen.

Der Chor wuchs während des Ersten Weltkriegs und Zweiten Weltkriegs stetig weiter und überlebte mehrere heftige und schreckliche Propagandakampagnen, die sich an die Sänger und den estnischen Nationalismus im Allgemeinen von Stalin richteten. Trotz der Drohung der Verhaftung und Inhaftierung unter der neuen USR erschienen jedes Jahr 20.000 bis 30.000 Sänger, um trotzig estnische Volkslieder zu singen, und der Rest des Landes strömte auf das Messegelände, um zuzusehen und mitzusingen. Die Aufführungen, bei denen die verbotene estnische Flagge über sie gehisst wurde, verliefen auch in den schlimmsten Zeiten friedlich und gewaltfrei.

1988 steuerten die Musiker des Tartu Pop Music Festivals Originalmaterial bei und sangen die verbotenen traditionellen Lieder, wodurch ein Gefühl der nationalen Identität entstand, bei dem Zehntausende von Zuschauern Hände verbinden und miteinander singen. An den folgenden Festivals nahmen Politiker aus der ganzen Welt teil, um die estnische Sache zu unterstützen und die Gesangsfeste mitzuerleben, insbesondere die Chöre, die mittlerweile 10% der estnischen Bevölkerung ausmachen.

1991, nachdem der estnische Kongress und der Oberste Sowjet die sowjetische Gesetzgebung formell abgelehnt und Estland zum unabhängigen Staat erklärt hatten, drangen sowjetische Panzer in die Republik ein, um die estnische Nationalismusbewegung zu unterdrücken. Die sowjetischen Panzer die speziell die Funktürme, die estnische Musik Rundfunk wurden die Bevölkerung zu stärken, und Hunderte von Esten rächte sich durch einen gewaltlosen menschlichen Schutzschild um die Radiostationen bilden, dass die Tanks nicht ohne Ziehen des militärischen ire der Rest der Welt durchdringen konnte . Im selben Jahr erkannte die neue russische Führung die Unabhängigkeit Estlands und der anderen baltischen Staaten offiziell an.

2010-2012: Arabischer Frühling

Trotz der Tatsache, dass in vielen arabischen Staaten das Singen und Tanzen als beschämend angesehen wird, hat sich die populäre Musik, insbesondere Hip-Hop und Rap, als unterirdische Musikbewegung entwickelt. In den 1990er Jahren gründeten arabische Gemeinden außerhalb des Nahen Ostens, insbesondere in Deutschland und Frankreich, sogar Plattenlabels, die sich auf türkische, palästinensische und tunesische Rapmusik spezialisierten und deren Interpreten in ihren Heimatländern kein Hörspiel erhielten und im Ausland kaum bekannt waren ihrer unmittelbaren Fangemeinde. Amerikanische Hip-Hop- und Rap-Musik wurde auch in arabische Staaten geschmuggelt, wo Fans des Schmuggelgenres mehrere Kopien anfertigten, um sie an Freunde weiterzugeben.

Vieles davon änderte sich mit dem Arabischen Frühling, der begann, als tunesische Demonstranten Präsident Zine El Abidine Ben Ali stürzten. Fast über Nacht kam es in Ägypten, im Jemen und in Marokko zu ähnlichen Protesten, von denen die meisten von jungen Männern und Frauen organisiert wurden, die das Gefühl hatten, keine Stimme in einer Regierung zu haben, die sich aus alternden Theokraten zusammensetzt. Eines der vielen Themen, die immer wieder angesprochen wurden, war die Zensur von Kunst, Musik und Jugendkultur im Allgemeinen, und infolgedessen war der vielleicht nachhaltigste Eindruck, den die Außenwelt vom arabischen Frühling hatte, die Hunderte von Musikkonzerten, die spontan ausbrachen im ganzen Nahen Osten. Saudi-arabische Rapper wie Dark2Men traten zum ersten Mal in der Öffentlichkeit auf, ohne Angst vor einer sofortigen Inhaftierung, ebenso wie Tunesiens El General, Marokkos El Haqed und Palästinas DAM.

Während viele der Ziele des arabischen Frühlings noch nicht verwirklicht wurden, ist es passiert, dass die Protestmusik der arabischen Staaten die Ohren sowohl der lokalen Bevölkerung als auch der übrigen Welt erfolgreich erreicht hat. Viele arabische Bands haben inzwischen YouTube-Kanäle, die regelmäßig mit neuen Songs und Videos aktualisiert werden, um ihnen die Sicherheit zu geben, ein Publikum zu haben, das weiß, dass es sie gibt. Die Hip-Hop-Musik des Arabischen Frühlings ist zu einer Stimme des Widerstands geworden, die sich mit Armut, Gewalt, Drogenkonsum und sozialer Ungleichheit befasst.